« I'm not your guardian angel. I'm not here to save you. Hell, I can barely save me »
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Mourir peut attendre (sorti le 6 octobre 2021)
★★★★
Synopsis : Bond a quitté les services secrets et coule des jours heureux en Jamaïque. Mais sa tranquillité est de courte durée car son vieil ami Felix Leiter de la CIA débarque pour solliciter son aide : il s'agit de sauver un scientifique qui vient d'être kidnappé. Mais la mission se révèle bien plus dangereuse que prévu et Bond se retrouve aux trousses d'un mystérieux ennemi détenant de redoutables armes technologiques...
C'est peu de dire que Mourir peut attendre s'est fait... attendre. Mais l'attente, aussi longue fût-elle, en valait quand même bien la peine (un peu comme cet article, non?). En dépit du fait que ce vingt-cinquième volet de la saga comporte moins de scènes d'actions qu'a l'accoutumée et ne surprend qu'assez peu sur ce plan, il brille d'avantage sur un plan psychologique, là où on ne l'attendait pas. En effet, Mourir peut attendre rend plus humain que jamais le personnage de James Bond et parvient à émoustiller de l'émotion sans jamais tomber dans le niais. Car c'est bien une histoire d'amour dont il est question. Daniel Craig campe ici une version plus sombre du personnage, qui se questionne sur son passé, son métier et son rapport avec les femmes. Il est question de quête de soit. Léa Seyoux donne aussi plus à son personnage et le rend un peu plus authentique que dans Spectre. Elle porte sur elle quelques unes des scènes les plus mémorables du film. On trouve également Ana de Armas dans une courte et furtive apparition. Enfin, Rami Malek interprète un sociopathe comme on en a déjà trop vu dans la franchise, mais y apporte une inquiétante étrangeté de son regard perçant. En toile de fond, on retrouve l'organisation Spectre, mais c'est bien le passé des personnages qui est leur ennemi. On retrouve d'ailleurs un jolie clin d'oeil à Vesper Lynd, le personnage joué par Eva Green dans Casino Royale. Malgré quelques moments de mou (il faut encore que tout le monde se retrouve une nouvelle fois à Londres et fasse le point), le réalisateur Cary Fukunaga parvient à entretenir le suspens jusqu'au bout et nous tient en haleine, là où Spectre n'y parvenait que de façon mitigé. Avec ses 2h45, le film est le plus long de toute la saga, mais il est très efficace et on ne voit jamais le temps passé. La photographie de Linus Sandgren (La La Land, First Man) et la musique de Hans Zimmer (première incursion de ce géant dans la saga James Bond) jouent aussi pour beaucoup dans cette réussite.
Mourir peut attendre récupère des défauts déjà récurrent dans la saga, avec des méchants qui manquent toujours d'être assez crédible, un rythme en dents de scie, mais surprend par le côté psychologique et émotionnel avec un personnage de James Bond plus sombre que jamais qui se pose des questions sur lui et sur son rôle. Le film parvient à insuffler un début de souffle nouveau à un personnage vieillissant que l'ont commençait à croire désuet et obsolète. Daniel Craig y aura été pour beaucoup et son chant du cygne restera remarquable à tout jamais. La saga Bond est néammoins attendu au tournant pour la suite.
Dune de Denis Villeneuve (sorti le 15 septembre 2021)
★★★★
Synopsis : L'histoire de Paul Atreides, jeune homme aussi doué que brillant, voué à connaître un destin hors du commun qui le dépasse totalement. Car s'il veut préserver l'avenir de sa famille et de son peuple, il devra se rendre sur la planète la plus dangereuse de l'univers – la seule à même de fournir la ressource la plus précieuse au monde, capable de décupler la puissance de l'humanité. Tandis que des forces maléfiques se disputent le contrôle de cette planète, seuls ceux qui parviennent à dominer leur peur pourront survivre...
Lorsque les studios Warner ont annoncés en 2017 le projet d'une nouvelle adaptation de Dune par l'excellent Denis Villeneuve, tout espoir était permis d'y voir enfin quelque chose à la hauteur du célèbre roman de Frank Herbert. Loin de la maudite adaptation de David Lynch, tant renié par son créateur. Villeuneuve, lui, est parvenu à insuffler un souffle nouveau au genre blockbuster de science-fiction avec ses dernière créations, ce qui augurait le meilleur pour Dune.
Il faut dire qu'on est à mille lieues des standards imposés depuis tant d'années par Marvel. Villeneuve se repose sur le roman de Herbert pour casser les codes. Il prend le temps pour déballer son scénario. Peut-être même un peu trop sur la première partie du film qui manque quelque peu d'action. Mais il nous laisse aussi le temps d'admirer les somptueux décors. La mythologie futuriste du roman prend ici des couleurs ternes et sombres, marque de fabrique du réalisateur. Quand aux costumes, ils semblent tout droit ressorti du IIIème Reich. C'est qu'on est pas là pour rire et le compositeur Hans Zimmer n'est pas étranger à cette ambiance particulière avec son époustouflante partition aux sonorités froides et métalliques. Dune est porté par un casting impeccable. Timothée Chalamet en tête, impose son charisme redoutable dans le rôle de Paul Atréides. Il incarne un jeune homme plein d'humanité, qui va être voué - bien malgré lui - à un destin hors-norme. Il devra se conformer et trouver sa place dans un univers accablant, occupé entre une guerre pour l'Epice - substance la plus convoitée - et les visions prophétiques des Fremen, peuple d'indigènes d'Arrakis. Oscar Isaac incarne le duc Leto Atréides, le père de Paul. A peine reconnaissable avec sa grosse barbe, il montre un visage rempli d'inquiétude, conscient des pièges qu'on lui tend. Sa comcubine, Lady Jessica, incarné par l'excellente Rebecca Ferguson joue un rôle majeur dans l'histoire. C'est aussi la fraternité et l'amour d'une mère pour son fils qui est montré dans ses rapports avec Paul et donne lieu à quelques rares scènes d'émotions.
Dune dérange et interpelle. Le film manque un peu d'émotion par moment. On peut aussi lui reprocher un trop plein d'idées et paradoxalement, de ne pas exploiter suffisamment certains personnages, comme Leto Atréides, par exemple, ou encore Chani (sploiler : qui aura sans doute un rôle majeur dans la suite, ceci dit). Il faut bien s'accrocher pour tout comprendre si comme moi, on a pas lu le roman. Néammoins, il faut retenir que Denis Villeneuve livre un long-métrage de science-fiction plus qu'honorable par sa réalisation - qui en met plein la vue et offre une expérience inédite - et son scénario - très bien ficelé malgré tout - et va au dela des espérances en montrant un cinéma de science-fiction nouveau et ouvre ainsi l'espoir d'une grande saga à venir, comme nous n'en avons pas eu depuis bien trop longtemps.
L'élément déclancheur de ma passion pour les vinyles correspond sans doute aux moments que j'ai passé avec mon père où il a ressorti sous mes yeux ébahi son exemplaire en vinyle de True Blue de Madonna, ou encore son maxi de Nikita d'Elton John, ou celui de Money for Nothing de Dire Straits. Et c'est par Madonna et aussi Michael Jackson que j'ai commencé à collectionner les vinyles. Bien qu'au départ, j'achètai surtout des vinyles plus par admiration pour MJ ou Madonna que par passion pour le format. D'autant que j'ai acheté mes premiers disques vers l'âge de 16-17 ans et que j'ai eu ma platine qu'à 26 ans et pendant toutes ces années, j'embêtais mon père pour pouvoir écouter mes disques sur sa platine avant que je n'achète la mienne. Pour ce premier article dédier à ma collections de vinyles, je n'ai suivi aucun fil conducteur. J'ai prit en photo mes disques dans l'ordre auquel j'y ai pensé, tout simplement. C'est pourquoi cet article aura certainement une suite plus tard.
- Billie Eilish -
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On commence par mes derniers achats : L'album Happier Than Ever dont j'ai rédigé la critique précédemment. J'en suis complètement fan, il m'apaise, m'émeut, me rend plus fort. Je n'était pourtant pas un fan de Billie Eilish au moment de son précédent album, mais là, je suis littéralement tombé amoureux de cette chanteuse et de son art avec ce disque. Plus récemment encore, j'ai craqué pour son premier EP qui est actuellement distribué en édition limité couleur rouge. Je le trouve incroyable, surtout pour une si jeune artiste, car elle n'avait alors que 15-16 ans au moment où elle a enregistré les chansons qui le compose.
- Clara Luciani -
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Fan de Clara Luciani depuis ma première écoute de son premier album, Sainte-Victoire, je me devais de posséder cet album - qui m'a d'ailleurs tant marqué - en vinyle. Ce fût chose faite et de manière assez originale, puisque je l'ai acheté à la Fnac de Strasbourg, pendant que j'était en vacances en Alsace. Son second album, je l'ai acheté de manière plus classique, en le précommandant sur le site internet de la chanteuse. Néammoins, il possède une particularité, c'est une édition limitée, vendu uniquement sur son site lors de la phase de précommande, et vendu avec un 45 tours dédicacé, chose assez rare.
- David Bowie -
Petit tour d'horizon maintenant sur ma collection de vinyles de David Bowie, qui je précise pour les nouveaux arrivant, est mon chanteur préféré de tous les temps. Je possède quasiment toute sa discographie en CD - soit 25 albums sur 27 - puis j'ai commencé ensuite petit à petit à collectionner au format vinyle. Ce que vous voyez ci-dessus correspond ni plus ni moins à mes albums préférés du chanteur anglais. A une exception près, le dernier sur la photo qui est un EP, intitulé No Plan. Ces albums possède une ambiance particulière et unique à l'artiste. Low est celui qui me procure le plus de sensation en vinyle. En particulier la face B, instrumentale.
- Années 1970 -
Restons dans les années 1970. Le premier, un Led Zeppelin, est un cadeau qu'on m'a offert au dernier Noël et ça à été une belle découverte en même temps, bien que je ne soit pas très fan de hard rock. Ensuite, il y a London Calling des Clash qui est un double albums mythique où le groupe chantent des textes engagés sur des musiques très variés en style : Rock, ska, post-punk, punk-rock, new-wave. Parallel Lines de Blondie a quelque chose de magique également, un album à écouté absolument. Joy Divison, c'est en revanche beaucoup plus sombre. Stevie Wonder, beaucoup plus lumieux dans le genre Soul et R&B, Billy Joel pour l'esprit New-Yorkais et Supertramp dans l'alternative rock.
- Années 1980 -
Après les années 1970, les années 1980, avec que des albums que vous avez pu apercevoir dans mon article sur mes albums préférés des années 1980. Là encore, c'est assez varié : Du rock bien brute et révolté avec U2 et War, le son de la Motown, entre pop et soul avec Lionel Richie et son album Can't Slow Down, qui est d'ailleurs son plus vendu. Michael Jackson qu'on ne présente plus, avec Bad, mon album préféré du chanteur. Le génialissime album de Tears for Fears, Songs from the Big Chair. Parade, le seul album de Prince que je possède en vinyle (j'en ai beaucoup en CD par contre) et enfin, l'album qui a révolutionné la pop en France, l'album pop de toute une génération : Pop Satori d'Etienne Daho.
Cet album incroyable de Dire Straits - Brothers in Arms - aurait dû figurer sur la photo précédente, mais j'ai tout bonnement oublié de le mettre sur la photo. Mais d'un autre côté, ça aurait fait un nombre impair et ça me donne l'occasion de vous le présenter dans son intégralité avec ses deux disques assez épais, avec un pressage particulier pour un son optimum.
- Madonna -
Enfin, on termine cet article par un aperçu sur ma collection de vinyles grand formats de Madonna. Ils ont tous été acheté d'occasion et certains sont abimés au niveau du son, à mon grand regret. Ils ont aussi été acheté, il faut bien le dire, à une époque où je faisait moins attention que maintenant à ce que j'achetais. Et je regrette surtout que la face B de Like a Prayer saute indéfiniment sur Cherish. Ce qui n'est heureusement pas le cas de mon maxi 45 tours Into the Groove que je considère comme une des pièce-maitressse de ma collection. Car il s'agit d'une de mes chansons préférés de la chanteuse et de ce fait, il a ce truc d'authentique qui me donne l'impression de voyager dans les boites de nuits dans les années 1980. Au verso, on y trouve des photos du film Recherche Susan désespérément dans lequel joue Madonna.
Je possède d'autres albums en vinyles des années 1970 (Serge Gainsbourg) et 1980 (Janet Jackson), mais j'y reviendrai ultérieusement dans un prochain article.
Happier Than Ever de Billie Eilish (album parût le 30 juillet 2021)
★★★★★
Révélée au monde entier avec l'excellent EP - Don't Smile at Me (2017) - et surtout un premier album - When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (2019) - aussi étrange qu'étonnant par ses innombrales expérimentations electro-pop, Billie Eilish est devenue à seulement dix-sept ans la nouvelle idole des jeunes et le nouveau spécimen préférés des médias. Sept millions d'exemplaires ont étés écoulés de ce premier disque à l'univers gothique où elle se confiait sur le mal-être à l'adolescence sur fond de basses hypnotiques et poisseuses. Deux ans plus tard, elle revient métamorphosé, délaissant ses cheveux corbeaux et verts pour une blondeur hollywoodienne avec un second album au titre trompeur - Happier Than Ever - qui témoigne plus du rêve que de la réalité. Un disque sur lequel elle témoigne avec sincérité sur les conséquences de son ascension médiatique fulgurante sur des mélodies pop d'une richesse encore plus surprenante.
Dès le premier titre, Billie Eilish montre une facette plus intime, plus apaisé. Getting Older (« vieillir ») montre le thème dominant du disque. Si elle chante qu'elle vieilli bien (« I think I'm agin well »), elle se retrouve en même temps sous la pression de la célébrité (« cause the strangers seem to want me more / Than anyone before »). Le titre marque une entrée en matière avec un rythme assez langoureux (et ce n'est encore que le début) et apaissant. Le rythme avec des notes comme de gros pointillés est une trouvaille géniale. Sur I Didn't Change My Number, on retrouve un beat électro prononcé. Signe de son passage à l'âge adulte et au statut de star, la jeune femme chante « I didn't change my number, I only changed who I believe in » et annonce ainsi qu'elle n'a pas changé, mais que la célébrité lui a appris à se méfier davantage de ses fréquentations. S'ensuit Billie Bossa Nova, très influencé par le genre qui lui donne son titre. La chanteuse clâme qu'elle n'est pas sentimentale et pourtant, elle est complètement sous le charme dans le refrain (« I'm not sentimental / But there's somethin' 'bout the way you look tonight »). La chanson tend à prouver que les sentiments sont imprévisibles. Le début de l'album est d'ailleurs assez optimiste avec le titre My Future où Billie cherche un échappatoir en croyant à son avenir. Le titre est particulièrement planant au début avant de prendre une tournure assez soul avec un groove vintage, style 90's.
Oxytocin est un hit évident et est sans conteste le titre le plus proche de l'album précédent. Avec un son très hip-hop et un refrain où l'artiste murmure en transe « I can see it clear as day / You don't really need a break ». Les arrangements électro sont particulièrement réussis et le passage des couplets aux refrains surprend par son efficacité. Goldwing prend la suite comme un hymne à la perte de l'innocence, commençant par un chant orchestral classique et prenant une tournure pop avec un refrain se répentant en boucle. L'album prend ensuite une tournure plus sombre. « Do you know me ? Really know me ? », voilà ce que Billie Eilish répond à ceux qui scrutent désormais ses moindres faits et gestes sur Not My Responsability, chanson-parlé au rythme très lent (et très beau), mais oh combien prenant. Overheated est une suite direct avec un beat hip-hop en plus, mais parvenant à rester très planant. Elle y chante sa peur d'insécurité vis-à-vis du pouvoir d'internet sur les artistes. Dans la même atmosphère aussi posé, Halley's Comet compare la prudence de la chanteuse de tomber amoureuse au phénomène cosmique. La dernière minute, en piano-voix, est juste sublime. L'ambiance s'assombrit au fur et à mesure qu'on avance dans l'album, Billie Eilish s'interroge sur la mort sur Everybody Dies et se demande comment quelqu'un pourrait vouloir rester en vie si tous ceux qu'il aime sont partis. Your Power est là pour nous rappeler que les femmes sont encore trop souvent abusés par les hommes : « You made me feel / Like, it was my fault, you were the devil ». La voix de la chanteuse y est pleine d'émotions. Dans la même veine, Lost Cause traite d'une relation toxique : « I used to think you where shy (shy) / But maybe you had nothing on your mind ». Les arrangements groovy et la basse funky sont redoutable d'efficacité.
Le rythme s'accélère sur la fin avec Therefore I Am, dont la transition avec l'expérimental DNA - au style rap sussuré d'une voix douce comme elle en a l'habitude - est extraordinairement bien faite. On retrouve une ambiance hip-hop, teintée de R&B et de pop sombre. La chanteuse décrit ici les personnes qui croient la connaitre grâce à sa célébrité. Elle chante aussi ne pas tenir compte des opinions et avoir son propre esprit et s'explique ainsi : « I'm sorry, I don't think I caught your name ». Sur la chanson-titre, la chanteuse rejette son ex, le soupçonne de l'espionner sur les réseaux et se dit bien plus heureuse loin de lui (« When I'm Away from You / I'm happier than ever »). Mais là où le titre surprend le plus, c'est que Happier Than Ever est jusqu'au deux tiers un titre accompagnée en guitare acoustique démontrant toute la sincérité de l'artiste qui bascule de manière remarquable sur quelque chose de rock, là où on ne l'attendait absolument pas. L'album se clôt par Male Fantasy, une douce ballade acoustique où la chanteuse chante d'une voix aigu et s'interroge sur les relations et les attirances.
Comme en témoigne les larmes coulant sur ses joues et surtout sa position fébrile sur la pochette, Happier Than Ever n'est pas aussi optimiste pour son auteure que le laisse penser son titre. Moins expérimental et moins « barré » que son prédécesseur à la première écoute, Happier Than Ever se révèle pourtant être une réelle prise de risque. A l'instar de la couleur des cheveux de son interpréte, sa texture est très différente et plus varié que son premier essai, alors que beaucoup s'attendaient sans doute à quelque chose dans la même veine. Happier Than Ever est le pendant plus posé et plus doux de When We All Fall Asleep, avec de nombreuses ballades qui sont la force du disque, tant par l'émotion que Billie Eilish y laisse transparaitre que par leur production qui nous emmène dans un univers bien propre à l'artiste. En témoigne Not My Responsabity, ou encore Lost Cause pour ne citer que ceux-là. Il marque le cheminement vers l'âge adulte de son auteure, en même temps qu'un épanouissement et une quète pour trouver un juste équilibre entre le bonheur et un succès fulgurant, arrivé si rapidement qu'il ne lui a pas fait que du bien. Si jeune et déjà si talentueuse, Billie Eilish n'a sans doute pas fini de nous surprendre.
Key tracks : Not My Responsability - Overheated - Lost Cause - My Future - Happier Than Ever - Therefore I Am
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